Sermão de Santo António aos Peixes

O "Sermão de Santo António aos Peixes" foi pregado pelo Padre António Vieira em 1654, no Maranhão colonial, durante um período de intenso conflito entre jesuítas e colonos portugueses sobre a escravização dos indígenas.

Nesta obra-prima da oratória barroca, Vieira usa a alegoria de Santo António pregando aos peixes (quando os homens não o queriam ouvir) para criticar de forma indireta os colonizadores. O sermão divide-se em duas partes principais: primeiro, elogia certas virtudes dos peixes, como a obediência e a união; depois, critica os seus defeitos, estabelecendo paralelos com os vícios humanos.

Vieira louva os peixes por estarem sempre atentos às palavras de Deus e por não serem vaidosos como os homens. Menciona o peixe rêmora e o torpedo como exemplos positivos de coragem e utilidade. Já na parte crítica, censura o canibalismo dos peixes grandes que devoram os pequenos, numa clara alusão à exploração dos indígenas pelos colonos.

Não te esqueças: O sermão é uma alegoria onde os peixes simbolizam diferentes tipos de pessoas. Quando Vieira critica o polvo, por exemplo, está realmente criticando a hipocrisia dos colonos.

A obra tem uma estrutura argumentativa e persuasiva bem definida, seguindo os preceitos da retórica jesuítica. A linguagem é rica em figuras de estilo como metáforas, antíteses e paradoxos, servindo ao propósito de convencer os ouvintes/leitores a seguirem o caminho da justiça e do verdadeiro cristianismo.

Estrutura e Elementos do Sermão

A eloquência de Padre Vieira manifesta-se nos três objetivos fundamentais do sermão: deleitar (através da beleza estética), influenciar (pela força persuasiva) e ensinar (com a clareza didática). Cada um destes objetivos é alcançado através de recursos específicos.

Para deleitar, Vieira utiliza frases exclamativas, um discurso figurativo rico em alegorias, comparações e metáforas. Para influenciar, recorre a frases imperativas, interjeições, apóstrofes e interrogações retóricas que envolvem o ouvinte. Para ensinar, emprega frases declarativas, argumentos de autoridade e citações que sustentam suas ideias.

O sermão é construído a partir da alegoria do sal, em que o "sal" (elemento concreto) representa a capacidade de conservar e impedir a corrupção, enquanto os "pregadores e sua doutrina" (elemento abstrato) simbolizam a capacidade de regenerar e purificar os colonos.

No Capítulo III, Vieira faz elogios particulares a certos peixes, como:

• O peixe de Tobias, cujo fel curava a cegueira, simbolizando o poder purificador da palavra divina
• A rêmora, pequeno mas poderoso, representando a força da palavra do pregador
• O torpedo, capaz de fazer tremer os pescadores, simbolizando o temor que a palavra de Deus deveria provocar
• O quatro-olhos, vigilante para cima e para baixo, representando a prudência cristã

Dica útil: Presta atenção aos contrastes que Vieira estabelece entre o comportamento dos peixes e o dos homens - é nestes contrastes que reside a força crítica do sermão.

Análise da Farsa de Inês Pereira

A "Farsa de Inês Pereira", escrita por Gil Vicente em 1523, é uma das obras mais representativas do teatro vicentino durante o Renascimento português. Como farsa, mistura elementos cómicos e satíricos para criticar comportamentos sociais, especialmente os relacionados com o casamento e o papel da mulher na sociedade do século XVI.

A história centra-se em Inês Pereira, uma jovem sonhadora que despreza o simples e honesto lavrador Pero Marques, preferindo casar com um escudeiro supostamente culto e refinado, Brás da Mata. Após o casamento, Inês descobre que o marido é, na realidade, rude e autoritário, mantendo-a presa em casa. Quando Brás morre numa emboscada, Inês casa-se com Pero, aquele que antes rejeitara, mas agora domina o novo marido e vive como quer, inclusive mantendo um amante.

A obra termina com o famoso provérbio: "Mais vale asno que me leve, que cavalo que me derrube", sintetizando a aprendizagem da protagonista, que prefere um marido manipulável a um dominador. Este provérbio encapsula a crítica social à superficialidade nas escolhas matrimoniais e às estratégias de sobrevivência feminina numa sociedade patriarcal.

Atenção! A esperteza de Inês não é apresentada como virtude, mas como resposta às limitações impostas às mulheres na sociedade da época.

A farsa utiliza linguagem popular, personagens-tipo representativas de diferentes camadas sociais, e elementos cómicos para transmitir sua mensagem crítica. A ironia e o sarcasmo são ferramentas poderosas que Gil Vicente usa para desmascarar as hipocrisias sociais da época.

O Auto da Feira

"O Auto da Feira", escrito por Gil Vicente e representado pela primeira vez em 1527 na corte de D. João III, é um exemplo notável do auto vicentino que combina crítica social, humor e moral religiosa. A peça surge no período de transição entre a Idade Média e o Renascimento em Portugal.

A ação decorre numa feira simbólica, onde diversos personagens tentam negociar com o diabo Belzebu, querendo vender a alma em troca de favores terrenos. Esta feira funciona como metáfora do mundo, onde tudo está à venda, incluindo princípios morais e a própria salvação espiritual.

Várias figuras representativas da sociedade portuguesa – frades, fidalgos, lavradores, sapateiros e estudantes – aparecem para "negociar com o diabo", revelando os vícios específicos de cada grupo social. O aspeto mais irónico é que o diabo acaba por recusar algumas almas por não serem suficientemente más, mostrando a inversão moral da sociedade: até o Inferno tem padrões!

A obra critica frontalmente a corrupção moral, a ambição desmedida e a hipocrisia religiosa, especialmente entre o clero, apresentado como mais interessado em poder e riqueza do que na fé verdadeira. Gil Vicente utiliza o teatro como ferramenta de denúncia social, combinando sátira e humor para expor os desvios morais da sociedade portuguesa.

Curiosidade: A personagem do Diabo é ironicamente apresentada como mais honesta e justa que muitos dos humanos que se consideram virtuosos, aumentando o efeito crítico da peça.

Cesário Verde - Poeta da Cidade e dos Sentidos

Cesário Verde (1855-1886) foi um poeta português que, apesar da vida curta, revolucionou a poesia portuguesa ao introduzir uma visão moderna, urbana e sensorial na literatura do século XIX. A sua obra principal, "O Livro de Cesário Verde", foi publicada postumamente em 1887 pelo seu amigo Silva Pinto.

A poesia de Cesário é única pela forma como retrata Lisboa com realismo impressionista – os ruídos, os cheiros, as multidões e o trabalho urbano ganham vida através das suas palavras. Ao mesmo tempo, o campo surge nos seus poemas como espaço de pureza e saúde, em contraste direto com a cidade doente e caótica. Esta tensão cidade-campo reflete também as preocupações do poeta com a saúde (ele próprio morreu jovem de tuberculose) e com as injustiças sociais.

O estilo de Cesário é profundamente sensorial e descritivo, valendo-lhe o apelido de "pintor de palavras". A sua escrita captura impressões visuais, auditivas e táteis com uma precisão quase fotográfica, mas sempre acompanhada por uma sensibilidade social e uma ironia subtil que criticam a burguesia e os comportamentos urbanos da sua época.

Entre os seus poemas mais importantes estão "O Sentimento dum Ocidental" (uma meditação crítica sobre Lisboa e a decadência nacional), "Nós" (que descreve a vida urbana com ironia penetrante) e "De Verão" e "Num Bairro Moderno" (que exploram os contrastes entre cidade e campo).

Sabes que: Enquanto Cesário caminhava por Lisboa a caminho do trabalho, registava mentalmente as imagens, sons e sensações que depois transformaria em poesia?

Antero de Quental e a Angústia Existencial

Na poesia de Antero de Quental, a angústia existencial manifesta-se como tema central através de uma constante luta interior. Nos seus "Sonetos Completos", o poeta revela um conflito permanente entre o sentimento e o pensamento, entre a imaginação entusiasta e a razão crítica.

O percurso de vida de Antero é apresentado como determinado por um destino implacável, marcado por experiências negativas que geram sentimentos de desencanto, frustração e sofrimento. No famoso soneto "Erros meus, má fortuna, amor ardente", identificamos três causas desta angústia: os erros pessoais, o destino cruel e o amor intenso.

Para Antero, a busca pelo ideal - algo perfeito, absoluto e eterno (o seu "Palácio da Ventura") - revela-se sempre inatingível, aumentando sua frustração existencial. Esta procura pode assumir várias formas: a beleza, o bem supremo, a liberdade, o nirvana, ou o amor total e absoluto. A religião tradicional não lhe basta, pois o Deus que conhece não representa essa perfeição que anseia.

Em termos formais, Antero escolhe o soneto como estrutura ideal para expressar seus conceitos filosóficos. A linguagem é erudita e rica em recursos expressivos como apóstrofes, metáforas e personificações, que dão corpo às suas reflexões abstratas e inquietações existenciais.

Reflexão importante: O sofrimento de Antero não é apenas pessoal, mas reflete o desconforto do ser humano moderno diante das grandes questões da existência.

A Poesia Trovadoresca Medieval

A poesia trovadoresca medieval portuguesa e galega floresceu entre os séculos XII e XIV, criando um rico legado literário que se dividiu em diversos géneros poéticos. Cada tipo de cantiga tinha características próprias que serviam a diferentes propósitos expressivos.

As cantigas de amigo, embora escritas por homens, eram narradas por uma voz feminina que expressava saudade ou espera pelo amado. Ambientadas em cenários naturais e rurais, usavam paralelismos e refrões, com a mulher dirigindo-se à mãe, às amigas ou à própria natureza como confidentes do seu amor.

Já as cantigas de amor seguiam a tradição do amor cortês, com o narrador masculino expressando submissão à dama amada, geralmente inacessível. O sofrimento amoroso era tema central, numa linguagem mais formal influenciada pela lírica provençal.

As cantigas satíricas dividiam-se em dois tipos: as de escárnio usavam críticas indiretas, com ironia e ambiguidade, para ridicularizar comportamentos ou figuras públicas; enquanto as de maldizer eram críticas diretas e agressivas, muitas vezes usando linguagem rude e provocadora, nomeando explicitamente a pessoa criticada.

Curiosidade: As cantigas de amigo são um género quase exclusivo da tradição galego-portuguesa, onde poetas homens escreviam na voz de uma mulher apaixonada – algo bastante incomum na literatura europeia medieval.

Este rico panorama poético mostra como a literatura medieval já explorava temas como o amor, a crítica social e as dinâmicas entre homens e mulheres, usando formas sofisticadas que influenciariam toda a tradição literária portuguesa posterior.

A Ilustre Casa de Ramires - Eça de Queirós

"A Ilustre Casa de Ramires", publicada postumamente em 1897, é uma das últimas obras de Eça de Queirós. Situa-se nos últimos anos da monarquia portuguesa, retratando a decadência da nobreza rural e uma crise de identidade nacional. A narrativa combina elementos do Realismo com toques de Romantismo e alguma ironia modernista.

O protagonista, Gonçalo Mendes Ramires, é um fidalgo sonhador e vaidoso, mas de caráter fraco, que tenta escrever um romance histórico sobre um antepassado heróico. Vive num permanente conflito entre a tradição aristocrática que representa e as exigências práticas e políticas do seu tempo. A obra apresenta um contraste claro entre o Gonçalo atual (fraco, cobarde e inconstante) e seus gloriosos, corajosos e honrosos antepassados.

A narrativa desenvolve-se em duplo plano: no presente, acompanhamos a vida quotidiana de Gonçalo e suas contradições; no passado, através do romance histórico que ele escreve, conhecemos o herói medieval D. Ramires. Esta estrutura permite a Eça explorar os temas da decadência aristocrática, as contradições entre idealismo e realidade, e questões de identidade nacional.

Entre as personagens secundárias destacam-se a irmã Gracinha (fidalga elegante mas adúltera), o cunhado José Barrolo (rico mas ingénuo), o honesto primo Tito, o talentoso amigo Videirinha e o fiel Padre Soeiro. Todas estas figuras complementam o retrato crítico da aristocracia decadente.

Interpretação essencial: No final da obra, Gonçalo vai para África e tem sucesso num empreendimento colonial, funcionando como uma metáfora de Portugal - um país saudoso do passado glorioso mas afundado numa crise presente.

Os Maias - Eça de Queirós

"Os Maias", publicado em 1888, é considerada a obra-prima de Eça de Queirós. Inscrita no movimento realista, a narrativa apresenta uma crítica profunda à sociedade portuguesa do final do século XIX, retratando os vícios e limitações da aristocracia e da burguesia decadentes.

A história centra-se em três gerações da família Maia, focando principalmente em Carlos da Maia, médico culto e moderno, mas inconstante, que representa o fracasso da elite intelectual portuguesa. Seu avô, Afonso da Maia, simboliza o racionalismo e os ideais progressistas, enquanto seu pai, Pedro da Maia, representa o romantismo exacerbado. Carlos apaixona-se por Maria Eduarda, descobrindo mais tarde tratar-se da sua própria irmã – um amor incestuoso que simboliza a falência moral e social de Portugal.

A estrutura do romance é circular, começando e terminando com um passeio no Ramalhete (casa da família em Lisboa), sugerindo um ciclo de estagnação. A obra contém longas descrições realistas e digressões sociais que mostram a decadência da sociedade portuguesa e o fracasso dos seus projetos de renovação cultural e política.

Entre os personagens secundários destacam-se João da Ega (amigo de Carlos, escritor e crítico social) e Dâmaso Salcede $representante do novo-rico fútil e sem cultura$. Certos episódios, como o jantar no Hotel Central, as corridas de cavalos, o jantar em casa dos Gouvarinho e o sarau no Teatro da Trindade, funcionam como críticas a diversos aspetos da sociedade lisboeta.

Observação importante: O incesto entre Carlos e Maria Eduarda não é apenas um drama familiar, mas representa metaforicamente o isolamento e a estagnação de Portugal, um país que "se consome em si mesmo".

A Abóbada - Alexandre Herculano

"A Abóbada" é um conto histórico incluído na coletânea "Lendas e Narrativas" de Alexandre Herculano, considerada a primeira tentativa de romance histórico em Portugal. Influenciada por autores como Walter Scott e Victor Hugo, a obra valoriza a história nacional e o orgulho patriótico português.

O conto narra a construção do Mosteiro da Batalha (oficialmente Mosteiro de Santa Maria da Vitória), prometido por D. João I após a vitória na Batalha de Aljubarrota em 1385. Herculano utiliza a ficção para preencher lacunas históricas, criando a lenda de Afonso Domingues, um arquiteto cego que teria conseguido concluir a abóbada da Sala do Capítulo quando todos duvidavam ser possível.

A narrativa estrutura-se em cinco capítulos que desenvolvem o conflito central: Afonso Domingues, afastado da obra por estar cego, é substituído pelo arquiteto estrangeiro David Ouguet, que fracassa na construção da abóbada. Determinado a provar seu valor, Domingues volta à obra e consegue erguer a abóbada com sucesso, mas morre depois de permanecer três dias sentado sob ela para provar sua solidez.

O protagonista, Afonso Domingues, encarna as características do herói romântico: é idealista, patriota, solitário e incompreendido. Seu confronto com Ouguet representa o conflito entre o patriotismo português e a visão utilitarista estrangeira. A cena emblemática de Domingues sentado sob a abóbada é um gesto de coragem, fé e orgulho artístico.

Significado simbólico: A abóbada não é apenas uma estrutura arquitetónica, mas representa a própria nação portuguesa – resistente, única e construída com paixão e sacrifício pelos verdadeiros patriotas.